Cannes 2016 #4: Génération McDo

Tous unis contre la haine

Le Mademoiselle de Park Chan-wook (compétition officielle) s’ouvre par un carton incongru : « les dialogues coréens s’affichent en blanc. Les dialogues japonais s’affichent en jaune ». Une drôle de division par codes couleurs qui, au fond, raccorde au sujet du film : dans la Corée des années 30, un arnaqueur génial propose à une jolie nounou prolétaire de faire alliance pour infiltrer la haute société japonaise, en trompant les sentiments d’une jeune héritière nippone. C’est sans compter sur le véritable désir qui naît entre la petite nounou maligne, reconvertie en femme de chambre, et la riche oie blanche qui s’en laisse facilement compter. Déroulant une épaisse pelote romanesque, pas loin d’un Liaisons dangereuses extrême-oriental (le film esquinte d’ailleurs malicieusement la fascination japonaise pour l’Europe, héritée de l’Ere Meiji), Chan-wook renonce aux joyeuses boursouflures de ses précédents films pour se glisser petit à petit dans les draps des amantes, où se livre une bataille amoureuse style La Vie d’Adèle version pinku eiga (peut-être même non simulée, on n’a pas bien compris). Et bien sûr, d’après Park himself, la romance tordue permet de désamorcer l’animosité entre la Corée et son voisin qui, ici, se trouve plutôt en position de faiblesse. Pas qu’on s’en fiche complètement, mais disons simplement que cette histoire de réconciliation romantico-porno ne mise pas un seul instant sur l’ambiguité, les non-dits et les surprises (en dehors d’un twist artificiel en fin de parcours, tout se rend terriblement prévisible). Si bien que Mademoiselle se laisse en fin de compte gober sans véritable déplaisir, s’imposant évidemment sous la plume des critiques internationaux comme LE mélo saphique cannois de l’année.
YS

Des batteries à plat

La furie des projections bat son plein et, pour Chro, c’est déjà le moment de passer son tour devant certains films. Une démission qui est moins affaire de fatigue que de saturation : gavé à la caféine et aux sensations fortes, le festivalier doit s’ajuster à toutes les formes et à tous les tons, soumis à la nécessité de dégager une ligne claire d’un amas de propositions tortueuses. Avec son pitch de comédie dépressive à la durée incompréhensible (2h40), Toni Erdmann de Maren Ade était le client idéal pour nous faire capituler. Et ce d’autant que le film s’offre comme un exercice de fantaisie aigre et embarrassée, auquel le public de la salle Debussy a répondu par un feu d’artifice de fous rires et d’applaudissements. À bien y réfléchir, aucune raison de se poiler devant ce nouveau projet de la réalisatrice d’Everyone Else, dont on retrouve le goût des récits à la fois dilués et fatalistes, cette manière de reconfigurer la relation entre deux personnages sans jamais leur permettre de trouver une résolution. Sauf qu’ici, il ne s’agit plus d’un couple mais d’un père et d’une fille — lui bonne pâte lourdingue ; elle cadre sup psychorigide. Diluant cette confrontation familiale dans une suite de longues séquences filandreuses et triviales, la cinéaste parvient à faire cohabiter ces deux profils en désamorçant chaque fois leur réconciliation. De quoi livrer le film à une forme de pointillisme absurde et entropique (on le répète : le film dure 2h40), qu’on se risquerait bien à qualifier de géniale si elle n’avait pas mis à rude épreuve la résilience de notre cerveau. Comme si de part et d’autre de l’écran, les batteries émotionnelles s’employaient à signifier qu’elles étaient provisoirement à plat.
LB

Sua Madre

Belle entame pour le dernier film de Marco Bellochio (Fais de beaux rêves, en ouverture de la Quinzaine jeudi), qui filme la mort d’une mère comme une disparition au fond du noir gothique. Disparition énigmatique pour son jeune enfant qui ne souvient que de sa silhouette diaphane venu le border, puis d’un cri, et le surgissement de la figure inquiète de son père. Malheureusement le film, très vite, s’engouffre dans une suite atone de scènes dévidant la pelote de la vie adulte de l’orphelin, en observant les conséquences de cette séparation inaugurale. Atone, parce que le cinéaste italien fait le choix de ne jamais varier les intensités, et de reconstruire la vie d’un homme comme une suite de souvenirs escamotés. Ce qui aurait pu donner lieu à un très beau film envahi de rêveries sombres, s’étouffe alors trop souvent dans le carcan d’un récit à étapes dont on pressent très vite le dénouement. N’émergent alors de cet encéphalogramme plat que quelques belles visions où vient s’éponger le cœur égaré de son personnage principal.
GO

Une pissotière

Première sensation en ce début de programmation à la Quinzaine, Neruda confirme les impressions qu’avait laissées le précédent film de Larrain d’un léger désaxement de son cinéma. Sans jamais quitter l’habituel terrain d’une auscultation des psychoses historiques du Chili par le truchement de ses images, Larrain semble désormais gonfler ses récits d’un immense délire verbal et poétique. La vérité historique n’y est ainsi saisie qu’à l’intérieur de vastes labyrinthes fictionnels, rappelant que le cinéaste est désormais un chilien façon Ruiz. Neruda se concentre ainsi sur la période au cours de laquelle le poète communiste tentait d’échapper à la police politique de son pays pour trouver refuge en Europe. Pour cela, Larrain lui invente une figure de policier chargée de sa traque, figure délibérément fantasmée comme un narrateur de papier venu commenter le portrait de l’écrivain jusqu’à s’y dissoudre. Cela donne lieu à un film qui préfère le vertige des récits à l’exactitude des évènements, et quelques formidables scènes comme celle, inaugurale, plaçant les harangues politiques de sénateurs chenus dans le cénacle d’une pissotière enfumée. Chez Larrain, l’histoire chilienne a toujours semblé émerger d’un fond de pisse et de merde. Il en filme désormais la floraison sur ce tas d’humus, comme le chant d’un poète dédié à son pays.
GO

Haute sécurité #3 : Le McDo de la rue Félix Faure

Jouxtant la mairie et la place du marché, le McDonalds de la rue Félix Faure est une étape incontournable dans le marathon du festivalier. Augmentant sa fréquentation de 250% pendant les festivités, le restaurant offre un vivier important de cibles molles. Disons-le tout de suite : le relâchement est total. Aucun agent de sécurité en poste, issue de secours située trop près de l’entrée principale : un commando équipé de simples armes de poing ferait main basse sur l’établissement en quelques minutes à peine, les projections situées loin des heures de repas offrant une fenêtre de temps idéal pour passer à l’acte. Sécurisation plus que passable donc, sur laquelle il est urgent d’attirer l’attention. D’autant qu’un bref examen sociologique suffit à saisir l’intérêt d’une attaque en ces lieux où la population locale cohabite notamment avec des journalistes de cinéma parisiens, ce qui permet de frapper d’une même foulée l’électorat de Marion-Maréchal Le Pen et celui de Jean-Luc Mélenchon. Sous peine de voir Libération titrer sur « la génération McDo », il faut donc agir vite. Verdict: 0/5
YS

Chronic’art recrute

Et pour la deuxième manche, c’est Frédéric Foubert qui, d’une courte tête, remporte la médaille aujourd’hui. Bravo Fred.

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