Voici donc maintenant 26 ans que Jean Loup Passek organise chaque année dans la ville des Francofollies -deux semaines avant celles-ci- un festival iconoclaste de films venus des quatre coins de la planète. L’originalité et l’audace de la programmation sont devenus un des traits principaux de cette manifestation pour le meilleur et bien sûr pour le pire.
La cuvée 98 ne fut pas pire qu’une autre même s’il est tout à fait légitime de s’interroger sur l’utilité d’une rétrospective Paul Shrader ou F.J. Ossang. Mais cela résume exactement l’esprit de ce festival qui présente sans liens apparents des réalisateurs aussi différents que Henri Decoin, Agnès Varda ou Juraj Jakubisko. La Rochelle se présente donc comme un grand fourre-tout de cinéma. Autant vous dire qu’ici la curiosité est la plus grande des qualités et que la résistance des festivaliers est souvent mise à rude épreuve. C’est dans cet esprit que la plupart des spectateurs se jettent en aveugle dans les salles de projections où il reste de la place en espérant trouver la perle rare, La Rochelle ayant permis de découvrir par le passé des cinéastes aussi importants que Sharunas Bartas, Abbas Kiarostami, ou Tsai Ming Liang dont il était encore question cette année avec son dernier film, The Hole. A coté des multiples rétrospectives et hommages, on trouve donc une autre section intitulée « Le monde tel qu’il est » qui présente des films venus de toute la planète et en exclusivité, dont plusieurs ont retenus notre attention.
Des Monstres et des Hommes de Alexeî Balabanov est un film extrêmement pervers sur le voyeurisme d’exercice sadomasochiste dans le Saint Petersbourg du début du siècle. Hommage au cinéma muet expressionniste, ce film reprend tous les codes de ce courant : carton explicatif, image sépia, acteurs à « gueule »… Le film de Balabanov trouve un réel ton personnel avec un humour noir pince sans rire assez dérangeant.
Les Boutonniers de Petr Zelenka emprunte aux procédés narratifs de Pulp Fiction et de Shorts Cuts. Les Boutonniers tente de dresser le portrait de notre époque dans le Prague d’aujourd’hui. Si tous les sketches qui le composent sont assez inégaux, on ne peut qu’apprécier l’absurde ambiance qui y règne. Mais il est cependant dommage que Zelenka n’aille pas au bout de son propos, et nous fournit une morale téléphoné sur la culpabilité à la fin du film, ce qui, vu le ton général de ce dernier, parait totalement déplacé.
Le Labyrinthe des rêves de Sogo Ishii confirme la qualité du nouveau cinéma japonais amorcé dans nos frontières par Takeshi Kitano, ou Makoto Shinazaki (le superbe Okaeri). Même si le film a tendance à rester bloqué dans un rythme assez lent, la fulgurance des images arrive à passer outre. La jeune génération de réalisateurs japonais semble avoir beaucoup à exprimer tant la violence sous-jacente de cette œuvre est oppressante. On espère que ce film déjà présenté lors du festival d’automne à Paris arrivera à trouver un distributeur ainsi que Cure, l’hallucinant film de Kyoshi Kurosawa présenté au même festival et malheureusement déprogrammé à la dernière minute à La Rochelle.
Du côté américain on a pu voir deux films relativement attendus : Henry Fool, le dernier Hal Hartley et Slam la première fiction de Marc Levin. Henry Fool relève le niveau du précédent film d’Hartley, Flirt, même s’il n’arrive toujours pas à égaler la qualité de ses deux œuvres cultes : Trust Me et L’incroyable Vérité. Le film nous narre les mésaventures d’un éboueur qui tente de faire publier un recueil de poèmes sous la tutelle de son maître à penser, un ex-pédophile sortant juste de prison et travaillant lui à une œuvre titanesque sensée révolutionner la face du monde. On peut regretter que Hartley ait perdu beaucoup de finesse dans sa mise en scène et dans sa thématique. Henry Fool semble délibérément s’adresser à un large public et malgré les clins d’oeil répétés par Hartley, cela perd beaucoup de son charme. Néanmoins l’interprétation des deux acteurs principaux vaut le détour et la légèreté du script fait de ce film une oeuvre plus que digeste.
Slam est le premier film de fiction du documentariste américain Marc Levin qui apparemment n’a pas oublié comment filmer le réel tant son film est marqué par une forme documentarisée.
Ayant pour cadre les ghettos de Washington, Slam ne sombre néanmoins pas dans la démagogie la plus basique ou l’amoralité la plus extrême. Cependant, certaines scènes pourront faire tiquer comme cette contemplation de l’océan digne des nanards « psychés » des années 60 ou la soudaine prise de conscience d’une bande à l’écoute du « slam » (un rap à capella pseudo-poétique) de leur ami. En revanche on ne peut nier l’impressionnant réalisme dans lequel baigne le film, les acteurs sont plus vrais que nature et on peut même se demander si Levin n’est pas allé les chercher dans la rue.
Pas de surprise pour le film de Hou Hsiao Hsien qui comme d’habitude s’impose facilement dans cette sélection. Avec Fleurs de Shangaï, il réalise sans conteste le plus beau film du festival, toutes catégories confondues. Il accomplit l’impossible prouesse de nous faire oublier son médium pour nous mettre en présence du seul instant, où le regard substitué par la mise en scène explore les tableaux mises en forme par les cadres des quelques longs plans séquences qui composent le film.
On a pu également voir dans cette sélection la série de six courts métrages, plaidoyers contre l’utilisation des mines antipersonnels. Malheureusement la plupart de ces films n’atteignent pas leur objectif et pêchent par trop d’académisme ne pouvant pas ainsi délivrer la violence nécessaire pour traiter un tel sujet. On retiendra cependant celui de Pavel Lounguine qui ose attaquer le sujet avec optimisme et non avec la constante fatalité qui imprègne le reste de la série.
Enfin le film le plus attendu de cette sélection était sans aucun doute le film de Roberto Benigni, La Vie est belle qui quelques semaines après le festival de Cannes était présenté par une célèbre chaîne cryptée aux festivaliers rochellois. A la vision du film on peut comprendre en quoi il avait pu créer la polémique à Cannes. Il est effectivement assez choquant de voir un camp de concentration représenté à la manière « cinecitta », car si l’intrigue part du principe du camouflage du camp du père pour son fils, il en devient quasiment de même avec le spectateur. Ainsi cette dimension vulgarisatrice a de quoi gêner, mais le film de Benigni arrive tout de même à son but : provoquer l’émotion de son spectateur. Il faut également noter la désagréable impression que Benigni n’a fait ce film que dans le but d’atteindre enfin une reconnaissance critique en tant qu’auteur « sérieux ».
Je ne m’étendrais pas sur le film de Jacques Kébadian, D’une Brousse à l’autre qui sera l’objet d’un dossier à la rentrée. Mais on peut signaler que ce documentaire qui traite des sans papiers de l’église Saint-Bernard manque cruellement de virulence et que Kébadian pêche par trop d’académisme, préférant traiter l’événement sans clairement prendre une position.
Parmi les multiples rétrospectives je ne reviendrais pas sur celles concernant Giuseppe Bertolluci, Paul Shrader, ou Montxo Armendariz qui n’ont pas un intérêt particulier. En revanche, il est nécessaire de parler du réalisateur Tchèque Juraj Jakubisko. Considéré comme le Fellini tchèque, Jakubisko est sans conteste le réalisateur d’une œuvre profondément humaniste, et même si dans ses premiers films le message est parfois un peu lourd, on ne peut nier une véritable liberté dans sa façon de filmer les hommes et leur territoire. Espérons que ces films auront le privilège d’être (re-?) distribué en France dans peu de temps, en particulier son dernier et magnifique film au titre évocateur : Un message ambigu sur la fin du monde.
Alexandre Cardon
